Galerie Martagon

Exposition de groupe “De la trace à la tache”

Contact — 2009-12-29T11:24:22Z

Vernissage le samedi 4 décembre
Michel Barjol, Max Charvolen, Sandra D.Lecoq, Franck Lestard, Gérald Panighi, Etienne Pressager, Pascal Simonet, Jean-Luc Verna, Claude Viallat.

Pip Culbert - Bill Culbert - Jean-Claude Guillaumon

Contact — 2009-12-29T11:20:23Z

Vernissage le samedi 16 octobre

Pip Culbert

Si l'on considère que le principe d'invertion est l'art de jouer de paradoxes,l'oeuvre développée par Pip Culbert l'incarne alors à la perfection. Ses formes spectrales vidées de leur contenu (comme dissoutes puis recomposées) en même temps que tirées à quatre épingles, sont esquissées à partir d'un informe (au sens privatif) laissant échapper la présence muette du vêtement et du corps en négatif. Concevoir une nouvelle généalogie de formes ; remodeler l'épure du vêtement à partir de la disparition : bouleverser les limites établies ; renverser la notion de négativité afin d'en libérer des sortes de fictions subjectives, tel est le défi lancé à l'étrangeté apprivoisée du monde, pour mieux nous la faire partager. A-t-on dit l'essentiel ? Cette oeuvre dit tout cela, apparemment très simplement...

Extrait de Pip CULBERT - Exercice de soustraction de Patricia BRIGNONE

Bill Culbert

Bill Culbert est né en 1935 en Nouvelle-Zélande. En 1961, il s'installe dans le Lubéron et partage depuis son temps entre la Provence, Londres et la Nouvelle-Zélande. Ces allers-retours ont influencé sa pratique, autant par les éléments constitutifs de chaque lieu où il peut facilement trouver les matériaux propres à sa pratique. Le travail de Bill Culbert associe la lumière et la photographie et fait référence à l'énergie, naturelle ou électrique à travers l'utilisation des matériaux de rebus et de récupération. Son goût pour les objets incongrus, les déplacements de champs, les associations d'objets et d'idées donnent vie à des arrangements étranges, poétiques et souvent jubilatoires.

Observateur avisé d'une réalité parfois surprenante Bill Culbert décide de mettre en scène certains évènements auxquels l'oeil ne prête plus garde. La mise en évidence de certaines illusions optiques s'articule souvent autour d'objets de récupération. Mais le fil conducteur de son travail reste l'attrait pour ces phénomènes magiques déclenchés par la lumière.

La lumière comme instrument

A la fin des années 60 Bill Culbert passe de la peinture à la lumière. Franchir ce pas s'impose logiquement à lui du fait de son observation des phénomènes lumineux et de leur impossible appropriation, selon lui, par la peinture. L'artiste photographie des objets de récupération qui constituent des instruments ou des supports déclencheurs d'illusions optiques surprenantes. Il n' invente pas l'artifice visuel mais le met simplement en situation, le souligne. Son travail se construit également autour d'installations utilisant des éléments luminescents tels que des néons. En associant la lumière aux objets de récupération (tables, chaises, outils, portière de 2CV, etc) il accentue le contraste entre la matérialité "crasseuse" de l'objet et l'aspect "propre" de la lumière. En ce sens il rejoint l'intention d'autres artistes de la Nouvelle Sculpture Anglaise (Mach, Cragg, Woodrow, ...) qui réutilisent des débris industriels pour mettre l'accent sur un contexte économique surproducteur de biens et de donc de déchets.

Jean-Claude Guillaumon

Jean-Claude Guillaumon ne connaît qu'un seul sujet : Jean-Claude Guillaumon, quelquefois accompagné de ses proches, mais le plus souvent seul. Il se photographie tous les jours et pratique volontiers la citation, comme c'est le cas dans l'oeuvre présentée. Malgré l'humour qui imprègne ces photographies, qui sont en même temps un clin d'oeil ironique à l'oeuvre du célèbre peintre anglais et un pastiche de certaines photographies de performances, on ne peut s'empêcher de frémir devant la tendance obsessionnelle et narcissique de la démarche. S'il est vrai que la majorité des grands peintres se sont volontiers livrés aux joies graves de l'autoportrait, avec le précédent considérable de Rembrandt, le choix de ce genre comme unique préoccupation soulève de manière hyperbolique toutes les questions qui peuvent en ressortir. Par exemple, le fait que la plupart du temps, on peut observer que le regard du peintre dans l'autoportrait est légèrement décalé. Ce fait s'explique aisément : pour se peindre soi-même, il faut avoir recours au miroir. Cependant, pourquoi un tel respect du sujet et de sa posture, alors qu'il est simple de rectifier la direction des yeux ? En utilisant la photo, Jean-Claude Guillaumon réactualise le problème, car il faut bien imaginer que lorsqu'on se photographie ainsi, on ne se regarde pas, et que toutes les mises au point s'effectuent sur un sujet absent.

Karim Ghelloussi

Contact — 2009-12-29T11:15:04Z

Vernissage le vendredi 6 août 18h30
“Nonobstant les tours et détours, comme la confiture rejoint toujours le garde-manger, tu finis toujours par y glisser un petit mot qui n'et pas de toi et qui trouble par le souvenir qu'il réveille.”

Ou, comment d'une pratique naît une poétique qui, représentée, devient objet d'exposition...

la dimension onirique en sus

Soit un programme artistique d'investissement de la sculpture compréhensible en deux mouvements. Un premier mouvement, permanent, correspondant au temps de la pratique en tant qu'elle relève de l'expérience. c'est l'élaboration dans le cadre de l'atelier, fût-il symbolique, d'un ensemble de signes, de matériaux, de gestes, aussi de postures, qui vise à l'extension constante du domaine des possibles. S'y dessinent des ébauches de méthodes qui relèvent autant de l'exercice que de l'occurrence, avec en creux la volonté de défier la résistance du médium : introduction des arts mineurs, d'un horizon non-occidental, etc. Considérant que c'est la forme qui toujours génère du sens, et non l'inverse, posons, en un second mouvement, la représentation comme mode de médiation. La sculpture, instant de la représentation, agit alors comme pause (dans le temps) et pose (dans l'espace), du flux de l'expérience, et rend ainsi possible sa médiation. C'est dire qu'elle n'est qu'un au-deçà figé, ex-posé. La sculpture Arabesque me semble correspondre le plus évidemment à cet énoncé. Soit, le déploiement dans l'espace d'une ligne figurée par les volutes d'un rocking-chair semblant s'échapper d'une cafetière ciselée. Les éléments constituants ne sont que posés, maintenus dans un équilibre précaire qui rejoue l'instant figé. L'élémentarité du dispositif fait tension avec la multiplicité des images convoquées. C'est sur cette tension que s'articule la construction mentale, au sens où la grammaire est l'articulation d'un, discours.

“C'est vrai”, m'a-t-elle répondu en hochant la tête.

En me levant je glissais un dernier regard sur les chaises au soleil. Les jeunes gens étaient allés danser et les chaises demeuraient vides sous le soleil flamboyant. Une boisson quelconque avait été répandue sur la table et lançait des reflets brillants et menaçants.

Karim Ghelloussi, Bordighera, 3 mars 2002
http://www.galerie-issert.com/

Frédéric Guinot

Contact — 2009-12-29T10:54:35Z

Vernissage le samedi 3 avril
Frédéric Guinot réalise et conçoit des environnements évolutifs, des mises en scènes métaphysiques où se côtoient et s'articulent des sculptures mobiles et modulables, associées à de multiples objets et autres accessoires, sortes de ready-mades détournés dans un même champs poétique. La révolution est celle du voyage et du mouvement, du simple fait de dévier l'objet, de perturber un lieu ou un événement. Ce grenoblois déploie son univers artistique en fonction des espaces qui lui sont alloués ; tantôt ludique tantôt angoissante, sa chronique d'une révolution avancée se propose comme un monde parallèle au nôtre, à la fois proche et déconcertant, miroir impitoyable de notre société.

Frédéric Clavere

Contact — 2009-12-29T10:50:02Z

Vernissage le samedi 3 avril

Et, comme si elle eût voulu, par politesse, diminuer l'horreur de cette anthropophagie, elle spécialisa :
— Parce que, sans doute, vous ne mangiez que de la viande de nègre !…
— Du nègre ?… s'écria-t-il, en sursautant… Pouah ! Heureusement, chère miss, je n'en fus pas réduit à cette dure nécessité… Nous n'avons jamais manqué de blancs, Dieu merci !… Notre escorte était nombreuse, en grande partie formée d'Européens… des Marseillais, des Allemands, des Italiens… un peu de tout… Quand on avait trop faim, on abattait un homme de l'escorte… de préférence un Allemand… L'Allemand, divine miss, est plus gras que les autres races… et il fournit davantage… Et puis, pour nous autres Français, c'est un Allemand de moins !… L'Italien, lui, est sec et dur… C'est plein de nerfs…
— Et le Marseillais ?… intervins-je…
— Peuh !… déclara le voyageur, en hochant la tête… le Marseillais est très surfait… il sent l'ail… et, aussi, je ne sais pas pourquoi, le suint… Vous dire que c'est régalant ?… non… c'est mangeable, voilà tout.
Se tournant vers Clara avec des gestes de protestation, il insista :
— Mais du nègre… jamais !… je crois que je l'aurais revomi… J'ai connu des gens qui en avaient mangé… Ils sont tombés malades… Le nègre n'est pas comestible… Il y en a même, je vous assure, qui sont vénéneux…

Le Jardin des Supplices, Octave Mirbeau

livre "Dix poèmes sur les ronds noirs" Michel Barjol et Joël-Claude Meffre

Contact — 2009-12-28T14:30:00Z

Poèmes autour des dessins sur panneaux de bois de Michel Barjol
La galerie Annie Lagier met en souscription un livre/objet de Michel Barjol et Joël-Claude Meffre
Ce livre, au format de 47 x 20 cm pour les exemplaires de tête et de 21 x 15 cm pour les exemplaires courants, comprend :
10 poèmes de Joël-Claude Meffre
1 photographie d'outils de Michel Barjol
1 reproduction d'un dessin de Michel Barjol
1 œuvre originale sur bois (47 x 20 cm) pour les exemplaires de tête

Le tirage est limité à XIII, numérotés et signés, pour les exemplaires de tête et à 180 pour les exemplaires courants.

Cette édition est proposée en souscription à 500 euros pour les exemplaires de tête. Le prix à parution est fixé à 600 €. L'édition courante est proposée à 15 €. Le prix à parution est fixé à 20 €.
La présentation du livre aura lieu le samedi 10 juillet 2010 à la galerie Annie Lagier - 6, rue du Docteur Tallet / L'Isle-sur-la-Sorgue lors du vernissage de l'exposition de Jean-Paul Thibeau.

N.B. : L'attribution des numérotations se fera dans l'ordre d'arrivée des souscriptions, soit par téléphone, soit par e-mail, soit par courrier.

Pour plus de renseignements :

Galerie Annie Lagier - Tél. / Fax 04 90 20 76 52 - Mobile 06 20 39 06 69
E-mail : annie.lagier@sfr.fr
http://galerieannielagier.com

formulaire de souscription à télécharger

Sylvie Maurice "La leçon de Karl"

Contact — 2009-12-27T11:09:00Z

vernissage le samedi 3 juillet

Les regards de plaisir, les commentaires chargés de superlatifs des enfants de l'École Primaire de Malaucène, ont forcé mon œil d'amateur d'art blasé par la pratique et l'habitude à une relecture du travail de Sylvie Maurice. Par quel tour de magie a-t-elle pu transformer ces petites brutes braillardes et vindicatives en petits couillons béats, les yeux chargés de lumière, emplir l'espace de bonheur, ce bonheur fugace dû aux grandes occasions, instants gravés au plus profond de nos esprits. ?

Quelque soit leur poids, les sculptures de Sylvie sont des météorites qui atterrissent dans une infinie douceur, elles ont le don particulier de se rendre attirantes et interroger notre part sentimentale, résultat d'une science exacte qui a peur de ses certitudes.

En restituant des images invisibles à l'œil nu, des images qui ne se laissent saisir qu'à leur périphérie, elle prend appui sur un réseau de résonances scientifiques et échappe à son apesanteur. L'extrême pertinence du rapprochement à la nature produit un dessin spatial qui révèle la poétique de l'intervalle.

Le fil de fer, le papier japon, la résine, les mues, pollens, nasses et carapaces tracées par des gestes naïfs empruntés à l'artisanat, faits de matériaux simples se transforment en graphismes savants et subtils, scientifiques dans la forme, dessin d'un espace à peine délimité enrichi par la lumière révèle en nous une impression de bonheur enfantin, celui qui est toujours pour demain, actualisé par le vertige de ces forces en suspension.

Nous pourrions avancer que Sylvie Maurice est Pénélope, se questionner si (s)tressant ses fils de fer elle se soigne ou se fatigue. Nous pourrions penser à l'ennui, un labeur fastidieux venant de la pratique, mais le travail de Sylvie M. nous emmène ailleurs, un endroit qui fait le vide dans nos têtes. Nous nous laissons aller à reconstruire, déstabiliser, se réapproprier l'œuvre, les images subliminales érotisées par notre esprit. La richesse d'une œuvre ne se mesure pas par le temps passé à son élaboration, mais par son impact dans la durée, ses charges émotionnelles, sa manière de se rendre indispensable, par la distance qui la rend respectables, recul dérangeant, arrogant qui la sépare du plus grand nombre.

La possible lecture à deux vitesses comble les manques de cette mise à distance, il n'y a rien de plus perturbant que de se retrouver face à des situations qui ne nous laissent aucun échappatoire.

Prise dans son ensemble, qu'elle soit gravée ou sculptée, l'œuvre de Sylvie se lit comme un collage que l'on peut lier par les synonymes émotionnels suivants : choc, bouleversement, émoi, sensibilité, sentiment, trouble, vertige ? Alors laissons-nous embarquer dans ce monde contradictoire poético-scientifique.

Michel Barjol - juillet 2006 (Catalogue St Fons)

Sandra D.Lecoq

Contact — 2009-08-14T09:52:35Z

"Si tous les Gérard étaient des Gasiorowski, Véro ne serait pas coiffeuse.
Et si j'avais lu Machiavel, j'arrêterais de lire mon horoscope...

J'ai toujours eu peur d'avoir des comptes à rendre à l'histoire de la même manière que les amnésiques chroniques m'exaspèrent.

Arrêter de me salir les doigts et les petites tenues peu conseillées pour une pratique d'atelier m'a fait croire un instant que j'échappais à l'histoire. Détendue enfin et faussement seule je baignais dans un sentiment délicieux et illusoire : le travail était orphelin, mère peinture implorée si longtemps m'avait déçue, trop intransigeante, trop dure. Née sous X l'avenir se présentait sous de meilleurs auspices.

Artiste, peintre, hétérosexuelle, mère de famille, athée et peu diplomate. Manque de drogue et de rock and roll. Pas de passé de prolétaire pas de quoi faire de misérabilisme ni de mythe.

Une naissance en Afrique mais métissage loupé : père breton mère flamande et bien trop honnête pour jouer sur le continent noir.

Pas un loby, pas un réseau, aucune croyance.

Pas assez belle pour être idiote. Pas assez intelligente pour être moche.

Profil d'une grande banalité.

Autant gravir l'Everest en tongs."

Sandra D.Lecoq

Franck Lestard

Contact — 2009-04-18T10:13:08Z

A propos de Franck Lestard

Corps qui se défont, s'enfoncent ou se délitent. Les animaux, les humains de Franck Lestard sont soumis de diverses façons à une destruction. Cert ains, en position oblique, sont sur le point de chuter. D'autres, par ce qui semble un trou, sont menacés d'être engloutis. D'autres encore se décomposent. Ainsi ses corbeaux se diluent par les coulures de l'encre. Toutes ces crises, toutes ces phases de mise en danger du corps sont obtenues par la vigueur du dessin et les labilités de l'encre, par la prégnance des figures et leur déstabilisation, par leur position dans le format de la page. Tel est l'art du dessin de Franck Lestard qui fusionne réalisme rigoureux et puissance à inventer un monde. Ses corbeaux ont la prestance des rapaces, avec leur bec, leurs griffes, la noirceur de leur plumage. Mais ils se défont, perdent de leur superbe dans les coulures de l'encre. Ils deviennent corps effacés, délavés. Plus ou moins effacés selon l'importance des coulures. Vanités animales. Lestard a également peint des crânes soumis aux mêmes gestes d'effacement. Il y a aussi des personnages de face ou de dos, assez massifs, souvent de couleur rouge, qui sont à demi absorbés par une béance, une sorte de trou. Ces corps sont souvent trapus, la tête et la nuque d'un seul tenant. Ils sont pris ou bien tentent de s'extirper d'un cercle qui les retient. Il faudrait distinguer dans l'histoire de l'art et de la représentation des corps, les figures qui s'élèvent, celles qui surgissent, celles qui s'enfoncent, s'enfouissent. Les figures de Lestard ont quelque parenté avec le Chien de Goya (1820-1823) du Musée du Prado à Madrid. Lestard explore diverses positions d'absorption, d' « immersion », terme utilisé dans ses notes. Quant à ce cercle d'où elles tentent de s'extraire ou qui les attire, Lestard note : « résine noir goudron fioul sang ». D'autres personnages ont une partie du corps de couleur sang, de couleur cendre. Ont-ils été irradiés, contaminés ? Leur avant-bras, leur cœur, leur tête est d'un rouge sang, sang sombre. Tandis que le reste du corps est grisâtre, mi-vivant, mi-mort. Mais, là encore, les transparences de l'encre, celles du papier adhésif affectent les figures d'un degré d' irréalité, d'incertitude. De quel mode de réalité relèvent les figures de Lestard ? Du songe, de l'imaginaire de l'histoire de l'art ? Pour ma part, elles réveillent aussi le souvenir de certaines créatures et animaux fabuleux d'Alfred Kubin. Mais Lestard n'est pas dans le fantastique, ces hommes sont hors de l'histoire et en même temps au plus près de nos angoisses, de nos mal-être. C'est en tenant ensemble, de façon paradoxale, un réalisme scrupuleux et l'invention d'un monde imaginé que son dessin nous atteint. Les nuques et les épaules, les poignets et les mains, les postures de ses personnages sont d'un strict réalisme mais il les situe dans des espaces, des mises en scènes, certes minimales, mais qui engagent dans un univers imaginaire. Les figures humaines, chez Lestard, renvoient à un fonds animal. Cette animalité les affecte, elles ont une puissance et une fragilité : massivité des bustes, puissance des nuques. Les pieds et les mains sont des outils de préhension grossis, des armes efficaces. La dentition de hommes, des bêtes sont visibles. Tantôt l'homme chevauche une sorte de chien-cheval préhistorique, tantôt il écrase de ses pieds un poisson, sorte de congre archaïque. Tantôt une sorte de flamand rose, d'oiseau-rapace dévore un corps humain. Ce fonds d'animalité engage dans une sauvagerie, une cruauté. La dévoration, l'entredévoration affecte toutes ces créatures. Et le rouge sang, le gris de la nécrose, le brun tellurique ou excrémentiel dominent cet univers. La force de l'œuvre est de conjuguer prégnance des corps, animalité et dilution, destruction, fragilité. Les corps qu'il dessine, qu'il sculpte ont leur densité et sont menacés de délitement, d'engloutissement, d'enfouissement. Une transparence les travaille, une diaphanéité les efface : celle de la paraffine ou du silicone de ses sculptures, celle du papier adhésif coloré, celle des coulures de l'encre pour ses dessins. Le travail de Lestard explore ces divers mode de l'effacement. D'où son intérêt, à un moment, pour ces écrans graphiques avec lesquels jouent les enfants et où l'image s'efface. La vigueur et l'exactitude du dessin, le côté archaïque et puissant des corps se doublent de la transparence, du déséquilibre, de l'enfouissement. Telles sont les modernes vanités de Lestard. Ahistoriques, elles renvoient à la condition humaine, à son mal être, à sa déréliction. Franck Lestard lui donne figure.

Jean-Pierre Mourey
http://assautdelamenuiserie.blogspot.com/

Le blog de Franck Lestard

Exposition de groupe “Illusions Photographiques”

Contact — 2009-01-25T12:55:00Z

Illusions photographiques une exposition itinérante proposée par les galerie Annie LAGIER de L'isle sur la Sorgue et galerie Martagon de Malaucéne regroupe 10 regards sur la photographie contemporaine

Edition d'un port folio de 10 cartes postale 15x21

DATES EXPO GALERIE MARTAGON - du samedi 5 décembre au dimanche 3 janvier 2010 - Vernissage samedi 5 décembre de 15h à 20h

DATES EXPO GALERIE ANNIE LAGIER - du dimanche 6 décembre au dimanche 27 décembre 2009 - Vernissage dimanche 6 décembre de 15h à 20h

Philippe Domergue, Charlotte Fuillet, Jean-Claude Guillaumon, Marie-France Lejeune, Frédéric Nakache, Bernard Pras, Georges Rousse, Hélène Uffren, Wanda Skonieczny et Hans Sylvester.