Galerie Martagon

Marie-France Lejeune

Contact — 2006-03-22T11:44:49Z

Objets photographiques

Les objets photographiques de Marie-France Lejeune sont avant tout des pièges visuels.

Ce sont des éléments réels (meubles, objets) qu'elle démonte après les avoir photographiés. Ensuite, comme le ferait une couturière, elle les découpe en se servant de la photo comme patron, puis elle assemble tel un puzzle, sur le mur, les morceaux de matériau afin de restituer l'illusion de la tridimentionnalité des objets.

L'objet espace photographique. L'objet garde donc à peu près ses dimensions d'origine, sauf pour la profondeur car il se trouve complètement raplati.

"Mon travail se situe dans le décalage entre "la réalité" (ou du moins ce qu'il est convenu d'appeler ainsi) et la "réalité photographiée"... J'utilise l'image photographique comme un calque, un patron, un plan."

Réduit à deux dimensions, l'objet exposé est alors contraint à une image fixe quelque soit le déplacement du spectateur." Ce qui m'intéresse précisément c'est le passage d'un volume à un objet en deux dimensions lorsqu'il est photographié. C'est cet "aplatissement", "écrasement" de l'objet et de l'espace, c'est la métamorphose des formes dans ce passage : un même objet revêt des aspects tellement différents selon l'angle de prise de vue".

La photo, qui est à la base du processus, a en fait disparu de l'oeuvre et l'objet photographique de Marie-France Lejeune est devenu un objet d'illusion.

Anne-Marie Pécheur

Contact — 2007-01-27T07:52:29Z

Anne-Marie Pécheur peint des motifs floraux. Elle choisit souvent une toile verticale, parfois homothétique à la feuille d'un herbier, parfois beaucoup moins large, de cette forme étirée vers le haut qu'affecte la lamelle d'éventail ou le signet. Elle y inscrit des motifs rigides, quasi totémiques, entre coupe anatomique et croquis botanique. D'un contour marqué, elle statufie le réceptacle agrandi, ou le labelle, le ligule, le stigmate, ou toute autre organe reconnaissable mais retravaillé avec un animisme joyeux qui met aux dimensions de la statuaire africaine ou océanienne ce que l'oeil aurait du mal à localiser. Derrière ces formes scientifiques mais primitives aussi, le plan de couleur se tend comme un rideau, ou comme le velours d'un écrin précieux. Partir du motif lui permet d'aboutir à un stade où le pictural peut se permettre d'emprunter les techniques de tous les autres arts. Anne-Marie Pécheur affirmera qu'elle continue de faire de la peinture et, sans doute, ne la croira-t-on pas.

Anne-Marie Pécheur ne peint pas de motifs reconnaissables, floraux ou autres. Bien que ses formats en hauteur induisent à penser qu'elle met en page une image, elle se préoccupe surtout de sa couleur et des fonds qu'elle monte les uns après les autres, avec la précision d'un imagier médiéval, d'un enlumineur. Peu lui importe qu'une identification avec l'observable soit possible. Ce qui se trame ici n'est que couleurs, matières, couches et touches. Et rythmes de composition aussi. On croit voir un objet en creux, réaliste, et ce n'est qu'un à plat d'une teinte cassée pour marquer comme une absence. On pense deviner un relief et il ne s'agit que de couleurs diverses qui se combinent pour éviter l'ennui de la teinte juste. Toutes les astuces, toutes les références, toutes les connotations ramènent inévitablement vers la peinture. Pour qu'il n'y ait plus d'image et que n'existe que la picturalité. Anne-Marie Pécheur dira qu'elle n'a jamais cessé de faire de la peinture et, bien entendu, on ne pourra pas ne pas la croire.

François Bazzoli, tiré de Dérives Botaniques, éditions Artgo, Bruxelles, 1998

documents d'artistes
Baudoin-Lebon
Galerie Kandler

Maoual

Contact — 2006-03-22T12:14:05Z

Rupestre et contemporain.

En face du travail de Maoual, j'imagine quelquefois les songes et les moments d'arrachement d'un homme de mémoire qui habiterait le voisinage d'une forge ou bien les rives d'un fleuve. Il s'agirait d'un frontalier ou bien d'un migrant qui se souviendrait du blanc éclatant des terrasses de Mogador, de l'art pariétal, des figures de la Crête, des Sumériens et de l'Ancienne Égypte, des graffitis de Brassaï, d'une scène primitive, des dérives des rues d'aujourd'hui et des irruptions des Expressionnistes. Cette sentinelle en mouvement adopterait les traits d'un cavalier de l'orage qui revient parcourir les sentiers d'autrefois. Sa silhouette évoquerait l'ombre d'un pêcheur qui se servirait souplement d'un vaste instrument de capture, une sorte d'épervier.

On pressent la vigilance mais aussi les replis, la distraction rêveuse d'un homme qui ploie et qui parvient à hisser sur le bord d'une grève des choses, des proses, des affinités et des rêves comme ils viennent, des entrelacements, des macules, des brutalités, des amitiés, des étoilements et des empreintes. Au terme de toutes sortes de cheminements et d'aspérités, après d'innombrables tâtonnements, ce personnage se déleste. Il oeuvre lentement, prend des décisions, décante et recompose autrement les trouvailles, les métamorphoses, les soubresauts et les incandescences qui hantent les mailles de son immense filet.

On découvre immédiatement chez cet artiste la bonté et la confiance d'un premier accueil. Une intériorité chaleureuse, des lumières, des éblouissements, une très grande détermination, et pas uniquement des accidents. En dépit de la maturité de ses savoirs et de son imaginaire, on perçoit une sourde anxiété, une faculté d'étonnement voire de stupeur en face des surprises qui déjouent constamment son attente. Ce qui surplombe et traverse ses grands parchemins, c'est sans solennité ni cérémonie outrancière, la mémoire d'un registre inentamable qui ressemble aux premières traces de la peinture, lointainement apparues sur les surfaces des cavernes et des roches. Transparaissent également des lignes brisées, des noblesses, des frayeurs et des ferveurs, l'étrange consanguinité qui associait les plus hautes hiérarchies, l'inextricable moire qui enfermait le destin des bêtes et des hommes.

Ses gravures ne sont pas exactement des multiples. Une planche après l'autre, ses travaux acceptent des côtoiements, des émancipations et des filiations. Une décade plus tard, les reprises des plaques anciennes se modifient et se transmuent, dans leurs tracés ou bien dans leurs teintes. Sur les grandes nappes souterraines du papier se superposent des solitudes, des apparitions, des métissages, des guerres, des parures, des reliefs, des élans vers autrui, des intonations, des violences, des égarements, des tensions et des utopies.

Quelque chose s'évide, s'obscurcit ou bien se rétracte, les écritures s'inversent, le travail de l'amour s'interrompt. Des énormités, des blessures et des tueries contrarient l'accouchement d'une merveille. Des cauchemars, des suspensions, et des incongruités brisent le rythme de la fresque, voilent l'irruption d'une tendresse ou bien d'un chant. La volonté d'éclaircissement, la relance d'un souffle et d'une passion qui s'approfondissent, la soudaine fraîcheur d'une aube différente, le souci de mettre toutes les chances du côté de la gravure l'emportent pourtant.

Le peuple des morts qui ombre les vivants, l'histoire qui bégaie, qui déserte, qui rabâche ou bien qui agonise, la perte qui semble irrémédiable viennent s'aboucher, sans rémission mais très doucement, avec le rêve, avec l'enfance, avec le rire ou bien avec la nuit. Sur cette gravure bleutée, des ondes, des rythmes, des écarts, des affrontements, des dieux et des flux surviennent. Les ténèbres ne sont pas hostiles, le ventre d'une femme enceinte laisse discerner de nouvelles énergies, le voyage perpétuel des âmes et des corps. Dans des cadres autrefois noirs et blancs voici qu'affleurent des mutations, des embrasements, des sensualités, des fêtes, des lévitations, des abandons, des distances et des flagrances. Des oranger, des ocres, des indigos, des safrans et des garances.

Au coeur même du tragique, du discontinu et de l'inconsolable qui ne s'évitent pas, s'affirment des réparations et des appartenances multiples, ce qui modèle gratitude et louange, ce qui provoque épiphanie, déchiffrement, modulation, danse et transe. Pas de discours ou bien d'allégorie, mais une profonde écoute. L'aile unique d'un ange, du vertical, du silence, de l'indomptable, de l'irremplaçable ou bien du musical, des points d'appui inattendus, un simple petit pan de mur jaune font rebasculer les perspectives. Une exubérance qui ne se dément pas, de l'humour et de la désinvolture, du raffinement, du hiératique ou bien de la joie qui n'ignorent pas les stigmates, les monstres et les coercitions, refusent de laisser au chaos l'entièreté de la place.

Alain PAIRE

Voir le site de Maoual

Isa Barbier

Contact — 2006-03-22T12:29:36Z

…

Bernard Muntaner : Tu m'avais parlé de la lumière qui se découpait au sol, comme un sujet de construction, déterminé et déterminant. Isa Barbier : C'est un jeu avec le plan. J'imagine que le soleil entre à flots par les portes et fenêtres et je dessine mon plan en suivant les murs et en détourant les taches de soleil. J'allonge, je concentre, jusqu'à trouver une forme qui me surprend parce que c'est une forme qui « n'est pas » et qui est quand même dans l'espace ou « de » l'espace.

B.M. Dans tes dessins, il y a une forme en aplat, avec des angles droits, qui reprennent des lieux, des espaces physiques. Une fois que tu as circonscrit la forme, un contour, tu traces à l'intérieur des petits points faits au pinceau très fin et qui sont comme des… ?

I.B. … comme des promenades. La musique m'aide à partir, Ligetti ou Scarlatti … Cet été c'était surtout de la musique de Mongolie, je l'aime énormément. On entend les galops des petits chevaux, la musique galope, comme le cheval, et moi avec. Je me balade, je parcours les déserts, les dunes, les collines, les montagnes. C'est jubilatoire, et j'ai du mal à m'arrêter. Je m'arrête quand je suis fatiguée, quand je sens que mon point n'est plus aussi léger, que mon rythme ne suit plus. C'est vraiment un grand plaisir. Je suis d'autant plus libre, que j'évolue dans une structure qui est déjà une histoire. C'est en raison de cette structure, que je parle de paysages ou d'itinéraires intérieurs.

B.M. Les angles de la figure te commandent-ils de mettre plus de points, moins de points, l'espace participe-t-il de ton itinéraire poétique ?

I.B. Quelques fois, je pense aux passages des pas dans le lieu, ou bien aux vols d'oiseaux. De temps en temps les masses de petits points se chevauchent, s'interpénètrent ... ce sont des voyages, des traces de voyages.

B.M. C'est de l'ordre de la méditation…

I.B. Ces points évidemment … Mais quand je fais une installation : monter, descendre, mettre la perle de cire, accrocher la plume, toute cette suite de gestes répétitifs sont une méditation. Une sorte d'arrêt du temps.

… in La revue Art Sud 2e trimestre 2006 n°53

Jean-Yves Pennec

Contact — 2006-03-22T12:36:50Z

"Plus que la valorisation de cet objet de la vie ordinaire qui, en soi, n'aurait qu'un intérêt anecdotique, c'est sa transfiguration qui m'importe. Une fois celle-ci opérée, le cageot devient cette encre singulière qui permet de donner corps à une oeuvre plastique qui, au travers de jeux avec son architecture, ses couleurs, ses mots, sa matière veinée, une fois de plus questionne le temps, les images, l'amour, le rire la mémoire, le langage, la mort, l'écriture, l'enfance..."
Jean-Yves (...) - Artistes / art, contemporain, art contemporain, galerie, martagon, michel barjol, Jean-Yves Pennec, malaucene, Artiste, Artistes, cageot, Architecture

Pascal Simonet

Contact — 2006-03-22T12:43:33Z

Artiste de l'environnement, réfléchissant sur les données contemporaines de ce qu'on appelle le paysage urbain, Pascal Simonet invente une voie originale pour traduire cette réflexion en œuvres d'art. Ces dernières ne sont ni peintures, ni sculptures, ni installations et s'inscrivent, d'une certaine façon, dans l'histoire de l'art générique tel qu'il a été conçu par les minimalistes. Mais, pas plus qu'il n'est peintre de paysage ou adepte de l'art in situ, Pascal Simonet n'est lui-même (...) - Artistes / art, contemporain, art contemporain, galerie, martagon, michel barjol, Pascal Simonet, malaucene, Artiste, Artistes, sculptures, peinture, environnement, installations, esthétiques, Vegetal, vegetaux

Christian Valverde

Contact — 2006-03-22T12:51:49Z

Il y a très peu d'éléments présents dans ma peinture sur plexi, si ce n'est des contrastes chromatiques forts et assez limités, en 2 ou 3 couleurs ou à peine plus.
Il s'agit de montrer que la surface doit être considérée non plus seulement comme un élément support qui reçoit de la peinture avant d'être appliquée contre un mur ou quoi que ce soit, mais qui doit être prise en comte essentielle, substantielle. J'utilise le plexi. Qui est vraiment extraordinaire pour ça. Je le présente sur un (...) - Artistes / art, contemporain, art contemporain, galerie, martagon, Christian Valverde, malaucene, Artiste, Artistes, peinture, plexi, Malaucène

Sylvie Maurice

Contact — 2006-03-22T13:01:20Z

Les regards de plaisir, les commentaires chargés de superlatifs des enfants de l'École Primaire de Malaucène, ont forcé mon œil d'amateur d'art blasé par la pratique et l'habitude à une relecture du travail de Sylvie Maurice. Par quel tour de magie a-t-elle pu transformer ces petites brutes braillardes et vindicatives en petits couillons béats, les yeux chargés de lumière, emplir l'espace de bonheur, ce bonheur fugace dû aux grandes occasions, instants gravés au plus profond de nos esprits. ?

Quelque soit leur poids, les sculptures de Sylvie sont des météorites qui atterrissent dans une infinie douceur, elles ont le don particulier de se rendre attirantes et interroger notre part sentimentale, résultat d'une science exacte qui a peur de ses certitudes.

En restituant des images invisibles à l'œil nu, des images qui ne se laissent saisir qu'à leur périphérie, elle prend appui sur un réseau de résonances scientifiques et échappe à son apesanteur. L'extrême pertinence du rapprochement à la nature produit un dessin spatial qui révèle la poétique de l'intervalle.

Le fil de fer, le papier japon, la résine, les mues, pollens, nasses et carapaces tracées par des gestes naïfs empruntés à l'artisanat, faits de matériaux simples se transforment en graphismes savants et subtils, scientifiques dans la forme, dessin d'un espace à peine délimité enrichi par la lumière révèle en nous une impression de bonheur enfantin, celui qui est toujours pour demain, actualisé par le vertige de ces forces en suspension.

Nous pourrions avancer que Sylvie Maurice est Pénélope, se questionner si (s)tressant ses fils de fer elle se soigne ou se fatigue. Nous pourrions penser à l'ennui, un labeur fastidieux venant de la pratique, mais le travail de Sylvie M. nous emmène ailleurs, un endroit qui fait le vide dans nos têtes. Nous nous laissons aller à reconstruire, déstabiliser, se réapproprier l'œuvre, les images subliminales érotisées par notre esprit. La richesse d'une œuvre ne se mesure pas par le temps passé à son élaboration, mais par son impact dans la durée, ses charges émotionnelles, sa manière de se rendre indispensable, par la distance qui la rend respectables, recul dérangeant, arrogant qui la sépare du plus grand nombre.

La possible lecture à deux vitesses comble les manques de cette mise à distance, il n'y a rien de plus perturbant que de se retrouver face à des situations qui ne nous laissent aucun échappatoire.

Prise dans son ensemble, qu'elle soit gravée ou sculptée, l'œuvre de Sylvie se lit comme un collage que l'on peut lier par les synonymes émotionnels suivants : choc, bouleversement, émoi, sensibilité, sentiment, trouble, vertige ? Alors laissons-nous embarquer dans ce monde contradictoire poético-scientifique.

Michel Barjol - juillet 2006 (Catalogue St Fons)

Des éditions de Sylvie Maurice sont disponibles

Jean-Claude Guillaumon

Contact — 2006-03-22T13:18:18Z

Jean-Claude Guillaumon ne connaît qu'un seul sujet : Jean-Claude Guillaumon, quelquefois accompagné de ses proches, mais le plus souvent seul. Il se photographie tous les jours et pratique volontiers la citation, comme c'est le cas dans l'oeuvre présentée. Malgré l'humour qui imprègne ces photographies, qui sont en même temps un clin d'oeil ironique à l'oeuvre du célèbre peintre anglais et un pastiche de certaines photographies de performances, on ne peut s'empêcher de frémir devant la tendance obsessionnelle et narcissique de la démarche. S'il est vrai que la majorité des grands peintres se sont volontiers livrés aux joies graves de l'autoportrait, avec le précédent considérable de Rembrandt, le choix de ce genre comme unique préoccupation soulève de manière hyperbolique toutes les questions qui peuvent en ressortir. Par exemple, le fait que la plupart du temps, on peut observer que le regard du peintre dans l'autoportrait est légèrement décalé. Ce fait s'explique aisément : pour se peindre soi-même, il faut avoir recours au miroir. Cependant, pourquoi un tel respect du sujet et de sa posture, alors qu'il est simple de rectifier la direction des yeux ? En utilisant la photo, Jean-Claude Guillaumon réactualise le problème, car il faut bien imaginer que lorsqu'on se photographie ainsi, on ne se regarde pas, et que toutes les mises au point s'effectuent sur un sujet absent.

Martin Caminiti

Contact — 2006-03-22T13:24:42Z

Vernissage le 8 avril dès 18h00 - Historique / art, contemporain, art contemporain, galerie, martagon, michel barjol, martin caminiti, malaucene