Galerie Martagon

Jean-Simon Raclot

la galerie Martagon — 2013-01-20T18:27:00Z

Né à Nice en 1969, où il vit et travaille, peintre.

Gilles Miquelis

la galerie Martagon — 2013-01-20T18:03:00Z

Gilles Miquelis croque avec ironie les figures de nos contemporains et observe l'incongru de notre quotidien. Le tragicomique prend le pas sur la banalité et donne à voir ce que le peintre nomme avec justesse « les accidents de la normalité ».

De morceaux saisis sur le vif en saynètes satiriques, la touche du peintre sculpte les formes et les couleurs en de franches compositions empreintes de réalité crue, où le grotesque ne laisse place à aucune concession.

Le critique Jacques Henric présente selon ces mots le travail de Gilles Miquelis : « Prendre les choses d'un peu loin s'impose quand vous avez devant les yeux la figuration de corps humains, hommes, femmes, ados, adultes, vieillards, fillettes, enfants, et quand ces figures, croquées avec un mélange de tendresse, de cruauté, d'ironie vacharde, de pudique compassion, de réalisme aigu, vous renvoient, pour les confirmer, pour les contredire, pour les affiner, pour les critiquer, à vos propres observations, vos propres visions, vos propres fantasmes, à votre intimité et à votre histoire.

En somme, les images de Miquelis, minis reportages à caractère quasi sociologique sur une part importante de notre quotidien spectacle, nous interrogent plus profondément, au-delà du témoignage direct, sur l'essence de l'image, et, disons-le sans trop d'emphase, sur l'essence de l'humain. »

(In PARISart)

Martin Caminiti

la galerie Martagon — 2013-01-20T17:31:00Z

N'en déplaise aux anguleux, aux pointus, aux cabossés et carrés de toute espèce, la perfection, si jamais il s'en trouve en ce monde hésitant, est rondeur. Féminine d'abord, n'importe quel gascon vous le dira, qui ajoutera trop vite, pudique échanson, rondeur du vin de chez nous quand il est sans tâche ni défaut. Chez Martin Caminiti la rondeur est plus que parfaite, elle est infinie. Comme ses roues qu'il fait tourner dans l'espace sans limite de notre imaginaire, rondes de l'enfance et de ses re-créations, du bonheur nostalgique de ces routes de France où l'été à flonflons bleuit les bicyclettes sur des ballons d'Alsace et des Val à Loup rond. Pêcheur par son prénom, cycliste par atavisme, franc comme le soleil qui éclabousse de ses rayons tubulaires son port d'attache et réchauffe sa mer sans faire la marée, il nous offre en partage les mystères dorés de ses prises multiples accrochées à ses cannes et pendues à ses filets. Cette rondeur-là est toute finesse, de délicatesse et d'envolée, bouquet de plumes écloses sous le métal premier qu'il déguise et façonne à sa guise, vieux cadres recyclés avant extrême-onction, matériau renaissant du profond de l'oubli, objets réanimés par le souffle de l'artiste… Cette rondeur-là nous joue pour de vrai la musique de la vie, celle des partitions intimes que tout le monde sait mais que trop peu entonnent, huile du pédalier que la chaîne copule, chuintement marin du crin et de la corde, quelques notes égrenées aux pignons de la rue… Pour notre bonheur, Martin Caminiti est un enfant qui a bien tourné. N'en déplaise aux anguleux, aux pointus…

Extrait d'un texte de Roseline Giusti-Wiedemann pour l'expo "Gardez la ligne", Galerie des Ponchettes.

"Formats raisin", vendanges tardives...

la galerie Martagon — 2013-01-15T18:18:00Z

Le succès obtenu par l'édition 2012 nous encourage à réitérer l'expérience d'accumulation de formats raisin sur tout l'espace des trois étages de la galerie Martagon. Nous tiendrons compte de l'enseignement de la 1ère édition pour parfaire celle de 2013.

Artistes invités (liste non exhaustive) : Michael Bastow, Étienne Bideau-Rey, Christophe Challange, Baptiste Chave, Philippe Chitarrini, Frédéric Clavère, Jérémy Delhome, Michel Houssin, Émilie Lasmartres, Susanna Lehtinen, Rose Lemeunier, Sandra D. Lecoq, Franck Lestard, Gilles Miquelis, Daniela Montecinos, Frédéric Nakache, François Paris, Nicolas Pincemin, Étienne Pressager, Jean-Simon Raclot, François Réau, Pascal Simonet, Olimpia Velasco.

"Formats raisin", les vendanges sont finies...

la galerie Martagon — 2013-01-14T16:55:41Z

Frédéric Khodja

la galerie Martagon — 2013-01-14T16:25:34Z

Il est toujours étonnant de constater comme les choses les mieux établies, les plus fermes en apparence, en viennent parfois à gondoler, à onduler sous le regard pour se transfigurer et échapper finalement à ce en quoi on voulait les enfermer. Que l'on regarde longuement : c'est l'instabilité du monde qui se révèle à nous. Car les images, malgré leur fixité apparente, défient le regard dans ce qu'il pose de certitudes, dans son autorité. Elles font vaciller les jugements catégoriques qui construisent le monde, ceux-là que nous dressons à chaque instant pour s'y appuyer comme les chauves-souris sondent de leurs cris les volumes de la nuit.

Les dessins de F. K. ont quelque chose de sec, d'aride parfois dans leur frontalité brute, dans les silhouettes dures qu'ils assènent. La ponctuation qu'ils dressent les fait ressembler un peu à des caractères frappés ; de ceux que l'on trouve de plus en plus rarement sur les tables à casiers d'un typographe ou sur les tipons et emporte-pièce des tapissiers. C'est que la noirceur du crayon ou de l'encre s'inscrit sur la clarté du papier en un motif compact quoique réservé par endroit et modulé dans ses ombres, si bien qu'on en viendra à parler de silhouettes mêlées, de motifs, presque d'idéogrammes ; et dans leurs confusions végétales, anthropomorphes ou géométriques, rêveuses ou construites, de chimères. Mais voilà, aussitôt recensées les parties, observées les textures et jugé de l'ensemble, le sentiment bascule. Les certitudes faseyent, avec notre aplomb, et offrent à voir un monde autre. Le dessin vous happe. On en vient à cette étrange sensation que dans votre regard, c'est l'image qui vous fixe, muettement. Est-ce le motif de la fenêtre, de l'ouverture qui fait office de seuil et porte vers son au-delà ? Le jeu enveloppant des ombres ? Les formes qui, dans leurs convulsions, vous deviennent attachantes ? Ce n'est pas tant l'œil qui s'ajuste au monde que le regard, c'est à dire la relation que l'on entretient avec le visible. Progressivement, les dessins glissent de leur réalité froide, matérielle, vers une relation particulière qui en fait un abîme ou une figure amicale. Ça vous arrive parfois dans les couloirs des hôtels, à attendre dans des chambres ordinaires en fixant un de ces reproductions habituelles de peintres impressionnistes : un semeur de Van Gogh est venu à moi dans des circonstances analogues. Michelet avait déjà noté dans La Mer, comme l'immobilité morne d'une berge peut révéler, pour peu qu'on y arrête longuement le regard, une vie grouillante et riche. On en vient à se demander si les images, pareilles au Portrait de Dorian Gray de Wilde, n'en viendraient pas à vieillir à votre place pour peu que vous fassiez durer longuement le regard.

Jérémy Liron, 2012

Lien Galerie Françoise Besson

Olivier Bartoletti

la galerie Martagon — 2013-01-14T15:45:54Z

OLIVIER BARTOLETTI par MARIE DE BRUGEROLLE

“Les couleurs se présentent en flux continus qui sont en liaison constante avec un voisinage changeant et des conditions générales changeantes. En conséquence, pour la lecture de l'art, ce n'est pas le quoi qui importe mais le comment.”(1)

La relativité de la perception des formes selon leur contexte et la question de la fabrique, de la construction et de la mise en situation des œuvres, sont au cœur du travail d'Olivier Bartoletti. De même que Josef Albers se méfiait du modernisme érigé en dogme, Bartoletti questionne les possibilités de la peinture aujourd'hui, dans une modernité inachevée.

L'organisation spatiale des couleurs, par des moyens plastiques, postule une appréhension de la peinture comme système construit. Les œuvres d'Olivier Bartoletti sont de la peinture en volume. Mobiles ou stabiles selon leur mode d'accrochage, les structures colorées sont composées de bâtonnets de cotons-tiges. Issu d'une pratique qui s'ancre dans une forme de “glanage hasardeux”, le mode opératoire devient à partir de 2002 une véritable méthode. Olivier Bartoletti invente une économie qu'il nomme “Pratique du Spleen”. L'objet trouvé, rebus de la consommation, non- dégradable et résolument pas “ bio ”, est finalement récupéré. Il devient l'élément de base de compositions en grilles, dont les trames flottantes créent des “respirations Cézaniennes” . Mise en abyme et imagerie fractale se télescopent pour créer des formes réversibles, en apparence, éternelles “autoreverse”. Les figures tissées à l'aide de fil de pêche transparent dont les terminaisons ponctuent les zones colorées conjuguent la rigueur formelle de l'abstraction et la fantaisie mouvante de l'organique. Une “abstraction trouvée” apparaît.

Le projet d'Olivier Bartoletti s'il se situe bien dans un désenchantement conserve une dynamique historique qui interroge les fondements de la modernité. C'est-à-dire qu'il s'inscrit de façon structurelle toujours dans celle-ci mais sans dévotion béate par rapport à ses prédécesseurs, sans nostalgie et bien à partir d'aujourd'hui. Interroger une pratique à partir de ses fondements aujourd'hui, c'est faire acte de mémoire et continuer l'histoire, car celle-ci s'écrit toujours au présent. “Le désenchantement m'intéresse car il permet de désactiver l'ego du peintre en un être “sans qualité'”, il permet une dérive “spleenétique” sur les plages par exemple, sans intention, sinon celle de prendre l'air, de laisser l'œil se perdre à l'horizon. C'est par cette pratique du spleen où l'esprit est comme suspendu et le désir non fixé, qu'un jour, presque inconsciemment, j'ai été attiré par la couleur chatoyante d'un bâtonnet plastique dans le sable”.

Les dérives plagistes d'Olivier Bartoletti lui opèrent un double retour aux fondements de la géométrie et de l'humanité. Renouant avec l'arpentage, il effectue un parcours mathématique passant de la surface de sable au cloaque vomissant les eaux usées des villes. Si le “Cloaca Maxima” désigne le grand égout romain, lieu d'expulsion des eaux “usées”, c'est aussi entre l'urine et le cloaque que nous naissons. Cette géométrie déviante structure une abstraction trouvée sur nature, certes, mais retravaillée en atelier. La démarche est assez classique. Le module trivial, petit bâtonnet thermoformé, constitue un répertoire aux coloris variables selon les modes hygiéniques. Ainsi l'apparition du noir est assez récente. A partir de ces cueillettes, une cartographie se dessine, qui est la trame d'une vidéo “La playa del sordo”.

L'usage des “bâtonnets” de coton-tige renvoie par homophonie aux “bâtonnets” qui sont des cellules photosensibles de la rétine. Olivier Bartoletti parle de “peinture réversible”, c'est-à-dire que le geste ne semble pas arrêtée une forme définitive mais que celle-ci s'inscrit dans une pratique multiforme.

(1) Josef Albers, L'interaction des couleurs, éditions Hazan, 2008.

Les bâtonnets : Ils sont 25 à 100 fois plus sensibles que les cônes, ils nous servent à voir dans la pénombre. Ainsi, grâce à eux nous pouvons voir malgré une très faible luminosité. Dans ce cas, nous ne percevons pas les couleurs car il n'y a qu'un seul type de bâtonnet. Nous le constatons aisément en observant de nuit un paysage éclairé par la pleine lune, nous voyons sans apprécier les couleurs. Pourtant les couleurs sont là car la lumière réfléchie par la lune est celle du soleil. Notre oeil a 100 à 110 millions de bâtonnets.

Marie de Brugerolle, Lyon, Mars 2009

"30 regards" : 30 ans de l'Artothèque de Miramas, du 15 au 23 juin.

la galerie Martagon — 2013-01-14T15:28:11Z

Exposition de groupe d'artistes permanents de la galerie Martagon, du 3 au 14 juin.

la galerie Martagon — 2013-01-14T15:26:16Z

- Calendrier

Philippe Chitarrini

la galerie Martagon — 2013-01-14T11:08:13Z

Obsédé par la notion de métamorphose et les effets du passage du temps sur l'être vivant, Philippe Chitarrini crée des séries de dessins, de peintures et de sculptures organiques qui nous renvoient aux origines de l'humanité, et qui questionnent son devenir. Ses œuvres n'abordent jamais la mort comme une fin en soi, mais toujours comme le début d'un éternel recommencement. Elles tissent d'une part un pont temporel et sensible entre la préhistoire et l'époque actuelle, et créent d'autre part de nombreuses passerelles organiques entre le monde végétal, minéral et animal. Il n'hésite pas à utiliser d'autres formes d'expressions comme l'installation, le happening, la photographie, la vidéo ou la vidéo-performance, qui lui permettent de renforcer son ancrage dans le monde vivant parcouru par la fluidité des forces et des énergies. Conçues comme un seul et même cycle, celui de la vie, ses expositions personnelles, chaque fois pensées et réalisées pour le lieu qui les accueille, portent toutes le nom de “Gorgônion Point” (suivi d'un numéro), en référence au mythe de Méduse dans lequel tous les thèmes qui l'inspirent et le passionnent sont abordés : la mort, l'énergie, la résurrection, le passage, la mémoire, le temps, la perception, l'identité, l'apparence… À travers l'étude approfondie de ce mythe, il produit un art qui parle de l'art, de son histoire, de ses représentants, et qui établit une médiation poétique entre les univers cosmique, aquatique, et tellurique.